LEONARDO DA VINCI:
Fue un pintor florentino. Notable polímata del Renacimiento italiano (a la vez anatomista, arquitecto, artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista) nació en Vinci el 15 de abril de 1452 y falleció en Amboise el 2 de mayo de 1519, a los 67 años, Sus primeros trabajos de importancia fueron creados en Milán al servicio del duque Ludovico Sforza. Trabajó a continuación en Roma, Bolonia y Venecia, y pasó los últimos años de su vida en Francia, Leonardo da Vinci es uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y, es la persona con el mayor número de talentos en múltiples disciplinas que jamás ha existido Dibujaba caricaturas y practicaba la escritura especular en dialecto toscano.
OBRAS:
La Ultima Cena
Cromáticamente hablando es una obra que mantiene los cánones religiosos en cuanto a los colores empleados con los rojos, azules y verdes, amarillos dorados, púrpura y algunos ocres. Se puede observar cómo Jesús lleva túnica roja y manto azul, mientras la figura de su derecha lleva túnica azul y manto rojo. Este último color es el que solía vestir la Virgen María, Además en la esquina de la derecha en el mantel hay un nudo y hay quien dice que eso significa que hay una mujer entre los hombres. El rostro de ese personaje es joven, luego podría no ser la madre de Jesús. Esto da lugar a teorías que afirman que se trata de María Magdalena, como por ejemplo la que se desarrolla en El Código Da Vinci. Es una obra construida sobre la simetría y la perspectiva como efectos básicos de la composición La composición básica es “radial” lo que viene a significar expansión, gloria, esplendor y devoción.
LA GIOCONDA
La galería se abre un paisaje que según investigaciones revelo que se trata del fondo de la ciudad de Bobbio en Italia, el lado izquierdo parece estar más bajo que el derecho, entrando en conflicto con la física, puesto que el agua no puede permanecer quieta si existe desnivel en el terreno.
La dama carece de cejas y pestañas y dirige la mirada ligeramente a su izquierda y muestra una sonrisa considerada enigmática. Sobre la cabeza lleva un velo, signo de castidad y atributo frecuente en los retratos de esposas.
Realizada en el año 1511, pertenece al renacimiento Italiano, sus medidas son de 340x355 cm. El niño y el santo aparecen en el centro de la obra rodeado de personajes renacentistas que contemplan el milagro.En el Milagro del recién nacido, San Antonio concede a un niño el don de la palabra para evitar que su madre sea acusada injustamente de adulterio. El niño y el santo aparecen en el centro de la composición, rodeados de personajes -ataviados a la moda renacentista- que contemplan el milagro. El fondo se divide claramente en dos zonas: la izquierda con una construcción en la que destaca la escultura romana y en la derecha un paisaje de evidente inspiración en Giorgione. Las referencias estilísticas en este trabajo se encuentran en los famosos "Teleri" venecianos así como en los frescos realizados por Giotto. .La narración del milagro resulta muy acertada ya que se permite comprender el mensaje gracias al lenguaje comprensible y claro, sin renunciar en ningún momento a una cierta carga de trágico dramatismo. Las figuras están modeladas de manera acertada, gozando de volumetría y expresividad, empleando los colores y las luces de manera adecuada, especialmente para resaltar las figuras del niño y del santo. Las pesadas telas, tanto de los frailes como de los cortesanos que participan en la escena, están realizadas de manera correcta, sin renunciar al detallismo en algunas zonas.
La obra en cuestión, un óleo titulado 'El origen de la Vía Láctea' que Tintoretto pintó hacia 1575-80, se encuentra hoy en una de las salas de la National Gallery de Londres. A primera vista la obra parece bastante convencional: una escena mitológica en la que aparecen —entre otros—, Júpiter, Hércules niño y la diosa Juno. De hecho, los especialistas no han tenido problema a la hora de identificar el episodio representado. Según un relato clásico, Júpiter había mantenido relaciones con la mortal Alcmena —uno de sus habituales escarceos sexuales—, y fruto de aquella relación ocasional había nacido Hércules.Júpiter quería que el pequeño disfrutase de la inmortalidad, así que le dio a probar la leche de los senos de su esposa Juno mientras esta dormía.Sin embargo, la diosa se despertó sobresaltada, y algunas gotas de leche salpicaron el firmamento, dando lugar a la aparición de la Vía Láctea (de ahí su nombre).Aunque no hay dudas sobre el tema representado, los investigadores siguen sin tener la certeza sobre quién encargó la hermosa pintura.
OBRAS:
MIGUEL ANGEL:
Michelangelo Buonarroti (Caprese, 6 de marzo de 1475 – Roma, 18 de febrero de 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica. Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo.La escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una imposición por parte del papa Julio II, y que se concretó en una obra excepcional que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos.
OBRAS:
Basilica de San Pedro
Con ligeros retoques en el proyecto ideado por Miguel Ángel, que dejó una maqueta para la cúpula central realizada entre los años 1558 y 1561, se realizó la terminación de las obras, 24 años después de su muerte, por los arquitectos Giacomo della Porta y Domenico Fontana, con una altura de 132 metros y un diámetro de 42,5 metros.101
Bóveda Capilla Sixtina
Fue pintada entre los años 1508 – 1512. La pintó casi en solitario, con una extensión de mil metros cuadrados, con trescientas figuras llenas de color y tensión.
La decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina es llamada así en honor al Papa Sixto IV,
La bóveda se compartimenta con unas ficticias arquitecturas de arcos y pilastras entre las que se distribuyen trescientas figuras desnudas monumentales en tamaño superior al natural, son escenas que narran la historia de la Salvación, desde la Génesis hasta el anuncio de la llegada de Cristo, comienza con la creación de Adán , la expulsión del paraíso , la creación de los astros , el Diluvio y también representa profetas que hablaron de la venida del Salvador y Sibilas que habían anunciado la llegada de Cristo . Constituye el mayor conjunto pictórico del Renacimiento.
Miguel Ángel tuvo que construir primero tres estructuras escalonadas y luego unirlas de manera que establece con tablones para así poder terminar la primera mitad del trabajo y así repitiendo el mismo procedimiento hasta terminar la obra.
RAFAEL SANZIO:
Raffaello Sanzio (Urbino, 6 de abril de 1483 – Roma, 7 de abril de 15201 ), también conocido como Rafael de Urbino o, simplemente, como Rafael , fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Además de su labor pictórica, que sería admirada e imitada durante siglos, realizó importantes aportes en la arquitectura y, como inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos. Hijo de un pintor de modesta relevancia, fue considerado un niño prodigio por su precoz habilidad y al quedar huérfano se formó en los talleres de varios artistas de prestigio. A los 25 años obtuvo su primer encargo oficial, la decoración de las Estancias Vaticanas, donde pintó algunos frescos como La escuela de Atenas, considerado una de sus obras cumbre.
OBRAS:
El triunfo de Galatea
En el centro de la composición, Galatea, subida en una concha, sostiene con ambas manos las riendas de una pareja de delfines que arrastra el original vehículo por la rizada superficie del mar. Anchuroso manto agitado por la brisa envuelve la mitad inferior del cuerpo de la nereida dejando visible su hermoso torso, que inclina ella graciosamente mientras vuelve la cabeza elevando la mirada al cielo para contemplar unos amorcillos juguetones que le disparan afiladas flechas.Si Galatea, por la corrección de sus líneas, la pureza de sus contornos y la elegancia de sus movimientos es una figura admirable, no lo es menos la de una graciosa náyade que en primer término aparece montada en un centauro marino que trata de aprisionarla entre sus nervudos brazos mientras ella, sonriente y seductora, deja flotar al viento su ligero velo.Al fondo, varios centauros surcan las ondas, unos llevando a las compañeras de Galatea y otros tocando trompetas y caracolas. En primer término, el Amor vuela hasta tocar las agujas, sujetando a guisa de palafrenero a uno de los delfines como para indicar que todos los personajes de la composición se hallan sometidos a un avasallador imperio.
La Escuela de Atenas
Fue pintada en 1509, es una obra lineal, pertenece al Renacimiento y mide 500x770 cm y está destinada a decorar una de las Estancias Vaticanas. Esta obra representa la filosofía a través de una escena en la que narra una sucesión entre filósofos. La perspectiva queda rota por los muros laterales sobresalientes.
La escuela de antenas muestra filósofos, científicos, matemáticos más importantes de la época clásica, en los nichos se ven figuras gigantescas de los dioses Apolo y Atenea. A la izquierda se encuentra un gran bloque de piedra cuyo significado puede estar conectado con la primera epístola de Pedro la cual simboliza a Cristo. El autorretrato de Rafael se encuentra en la parte derecha el joven de cabello marrón que observa al espectador, se puede observar también una cúpula de casetones sostenida por columnas, alrededor de un graderío se disponen todas las figuras, dejando un espacio central presidido por Aristóteles y Platón, como representantes de los dos movimientos filosóficos de la Antigüedad: el racionalismo y el idealismo. Los colores, variados, parecen adaptarse a la personalidad de cada personaje.
TIZIANO VECELLI:
Tiziano Vecellio o Vecelli, conocido tradicionalmente en español como Tiziano o Ticiano (Pieve di Cadore, Belluno, Véneto, hacia 1477/1490 - Venecia, 27 de agosto de 1576), fue un pintor italiano del Renacimiento, uno de los mayores exponentes de la Escuela veneciana. Reconocido por sus contemporáneos como "el sol entre las estrellas", Tiziano es uno de los más versátiles pintores italianos, igualmente capacitado para ejecutar retratos, paisajes (dos de los temas que le lanzaron a la fama), escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa. Tuvo una larga y dilatada carrera, y su obra atravesó muchas y diferentes etapas, en las que su estilo cambió tan drásticamente que algunos críticos tienen problemas para creer que los cuadros de su primera etapa y los de las posteriores hayan salido de la misma mano.
OBRAS:
MILAGRO DEL MARIDO CELOSO
Realizada en el año 1511, mide 340 x 207 cm. pertenece al renacimiento Italiano, está ubicada en la Escuela del Santo en Padua- Norte de Italia.La obra consta de tres planos diferentes donde narran diversos milagros, el santo resucita a una mujer asesinada por sus marido, En el primer plano podemos ver el homicidio con la mujer caída en el suelo y el hombre con un cuchillo en su mano derecha. En el fondo se puede apreciar el momento en el que el celoso marido se arrepiente ante el santo del acto que realizo. Las escenas se desarrollan en un ambiente natural, integrando perfectamente las figuras en el paisaje. La mujer está inspirada en los frescos de Miguel Ángel para la Sixtina, situando a la figura en una violenta postura en escorzo. Las expresiones, tanto del parricida como de la mujer herida, está captada a la perfección, acentuando el dramatismo del momento. Esa tensión se consigue aumentar gracias a la iluminación empleada, creando en primer plano un ligero efecto de claroscuro. Los colores son vivos y brillantes, utiliza como fuentes en esta serie los "telari" venecianos y los frescos realizados por Giotto.
MILAGRO DEL RECIEN NACIDO
TINTORETO:
Tintoretto, de nombre verdadero Jacopo Comin (Venecia, 29 de septiembre de 1518 - Venecia, 31 de mayo de 1594), fue uno de los grandes pintores de la escuela veneciana y probablemente el último gran pintor del Renacimiento italiano. En su juventud también recibió el apodo de Jacopo Robusti, pues su padre defendió las puertas de Padua frente a las tropas imperiales de una manera bastante vigorosa. Por su fenomenal energía y ahínco a la hora de pintar fue apodado Il Furioso, y su dramático uso de la perspectiva y los especiales efectos de luz hacen de él un precursor del arte barroco. Sus trabajos más famosos son una serie de pinturas sobre la vida de Jesús y la Virgen María en la Scuola Grande di San Rocco de Venecia.
OBRAS:
EL ORIGEN DE LA VIA LACTEA
EL HALLAZGO DEL CUERPO DE SAN MARCOS
El tema representa las reliquias de San Marcos, que fueron traídas de Alejandría a Venecia, donde para albergarlas se creo el famoso sepulcro de la iglesia de San Marcos, este ultimo fue obispo de Alejandría, siendo enterrado en unas de las catacumbas, allí existentes. Cuando los venecianos penetraron en ella, para descubrir el cuerpo del santo, pensaron cual de las muchas catacumbas contenían las preciadas reliquias, pero cuando toparon con la verdadera, San Marcos apareció de pronto, revelando así el lugar donde reposaban los restos de su existencia terrena. Que hacen los personajes En una bóveda extraña, vemos un hombre de gran estatura, con la cabeza nimbada, en la izquierda, levantando el brazo como para detener algo que esta sucediendo arriba. Allí, dos hombres están descendiendo un cadáver de un sepulcro, y un tercero con turbante, les ayuda, mientras que un caballero, en el fondo, trata de leer la inscripción de otra sepultura. Estos hombres se hallan explorando una catacumba, uno de los cadáveres, esta extendido en el suelo, sobre una alfombra, un anciano se arrodilla ante el y lo contempla. En el extremo de la derecha, hay un grupo de hombre y de mujeres, llenos de terror y mirando con asombro al santo, pues la figura de la izquierda tiene que ser un santo, si observamos atentamente vemos que este tiene libro: es San Marcos el evangelista, patrono de Venecia
MASACCIO:
Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai llamado Masaccio (San
Giovanni in Altura, hoy San Giovanni Valdarno, Arezzo, 21 de diciembre de 1401
– Roma, otoño de 1428) fue un pintor cuatrocentista italiano. A pesar de la
brevedad de su vida, su obra tuvo una importancia decisiva en la historia de la
pintura: generalmente se considera que fue el primero en aplicar a la pintura
las leyes de la perspectiva científica, desarrolladas por Brunelleschi. Su
primera obra segura es el tríptico para San Juvenal de Casia, que lleva la
fecha, en la tabla central, de 23 de abril de 1422: ANNO DOMINI MCCCCXXII A DI
VENTITRE D’AP.
TRIPTICO DE SAN JUVENAL
Esta obra fue descubierta en 1422, es una pintura
centrípeta y triangular que pertenece al periodo renacentista. Temple sobre
tabla. 110 x 65 cm
La pintura se compone de tres tablas: la central representa
a la Virgen con el Niño, flanqueados por
dos ángeles. El Niño está comiendo uvas, como un símbolo de la Eucaristía. En
los paneles laterales aparecen sendas parejas de santos: a la izquierda San
Bartolomé y San Blas y a la derecha San
Juvenal y San Antonio Abad Estas tablas laterales muestran una marcada
influencia de los modelos del siglo XIV, mientras que la compleja perspectiva
del panel central sería algo bastante nuevo para la época. En su introducción a
la solidez tridimensional la pintura puede considerarse revolucionaria para la
época.
La composición está construida de acuerdo con las leyes de
la perspectiva: las líneas de fuga del pavimento de los tres paneles convergen
en un punto de fuga central, en la cabeza de la virgen. Está datada al pie en
letras humanistas modernas, la primera obra en Europa no inscrita en caracteres
góticos: ANNO DOMINI MCCCCXXII A DI VENTITRE D’AP
EL TRIBUTO
Fue una obra realizada entre los años 1424 – 1428, se
encuentra en la iglesia del Carmine de Florencia, es una obra del renacimiento
Italiano sus medidas son de 255x598 cm.
Muestra una temática religiosa, narra la llegada de Jesús
con sus apóstoles Cafarnaum, en tres episodios dentro de la misma composición
pero de una forma diferente; en el centro contemplamos al recaudador
solicitando el tributo a Cristo, y éste indica a Pedro que en el agua
encontrará el dinero, en el fondo a ala izquierda se puede apreciar a San Pedro
sacando una moneda de la boca de un pez, y en la derecha se aprecia el pago del
tributo ante una construcción.
Las figuras del grupo principal se sitúan en un paisaje,
formando casi un círculo y vestidas a la manera griega. Conviene destacar la
expresividad de los rostros, que aportan una tremenda sensación de realismo,
reforzada por los gestos. Al ubicar al recaudador de espaldas, el maestro
intenta involucrarnos en la escena y hacernos partícipes del episodio. La luz
inunda la composición, resaltando los colores empleados que también sirven para
dar efecto de perspectiva a la obra colocando los más cálidos en primer plano y
los más fríos al fondo- y el efecto volumétrico de los personajes,
interesándose Masaccio por la anatomía, como se observa en las piernas del
recaudador mientras que los apóstoles ocultan sus cuerpos bajo pesadas túnicas.
PAOLO UCELLO:
Paolo Uccello (Pratovecchio/Florencia, 15 de junio de 1397 -
Florencia, 10 de diciembre de 1475), Paolo di Dono fue un pintor cuatrocentista
y matemático italiano que destacó por su obra pionera en la perspectiva visual
en el arte. Giorgio Vasari en sus Vidas de los artistas escribió que Uccello se
complació en investigar los complicados mecanismos y las extrañas obras del
arte de la perspectiva, subrayando su rasgo más distintivo, esto es, el
interés, casi obsesivo, por la construcción en perspectiva. Esta característica,
junto con la adhesión al clima fabuloso del gótico internacional, hace de Paolo
Uccello una figura de límites entre dos mundos figurativos, siguiendo un curso
artístico entre los más autónomos del Quattrocento. Usó la perspectiva para
crear la sensación de profundidad en sus pinturas y no, como sus
contemporáneos, para narrar historias diferentes o que se suceden en el tiempo.
OBRAS:
EL HOMBRE DEL TURBANTE ROJO
Es una pintura realizada en 1433, fue pintada en óleo, sobre
tabla, es de estilo flamenco sus medidas son
de 25.5x19cm. Es una obra centrípeta. En el Retrato del hombre del
turbante rojo, Paolo Ucello denota su interés por el dibujo y el relieve, con
reparto de la luz para dar volumen. Es el retrato tipo renacentista de busto,
dibujo pulcro, importancia del color, de frente o perfil.
En realidad no está con un turbante si no con un chaperón
cuyo extremos se encuentran anudados
sobre su cabeza, se dice que esta pintura se trata de la esposa del pintor es
por eso que está pintada de negro la mayor parte, es un retrato maravilloso ya
que se trata de un rostro serio y realista en la que deja constancia la dureza
de la expresión, para la pintura usa unas finas capas de pigmentos de color el
cual logra que el retrato resplandezca;
un ejemplo claro lo tienen en los ojos.
LA BATALLA DE SAN ROMANO
Se realizó entre los
años 1456 – 1460,, tiene un estilo renacentista Italiano y está pintada en óleo
sobre tres tablas ya que se trata de un tríptico, actualmente se conserva
disperso en tres museos: National Gallery de Londres, Louvre de París y Galería
de los Uffizi de Florencia.
Es una obra lineal, con perspectiva y centrípeta; la figura del centro es la más importante en
esta obra; en la parte central aparece
Micheletto de Catignola montado en un
caballo, a la derecha del cuadro podemos
apreciar como los guerreros esperan el asalto mientras preparan sus armas y
a la
izquierda tenemos la carga contra el enemigo que está representado por
las lanzas que están bajadas las cuales simbolizan posición de ataque. Las
figuras de los hombres y de los animales son geométricas y precisas, aunque
irreales como los colores que usa: los caballos son rojos, blancos y azules.
Esa luz y colores irreales puede que estén inspirados en algún relato
caballeresco. Esta pintura pertenece al Quattrocento.
FRA ANGELICO:
Beato Angélico O.P. más conocido como Fra Angélico O.P. o
Fray Juan de Fiésole O.P (Vicchio di Mugello (Florencia) 24 de junio de 1390 c.
– Roma 18 de febrero de 1455), pintor cuatrocentista italiano que supo combinar
la vida de fraile dominico con la de pintor consumado. Fue llamado Angélico por
su temática religiosa, la serenidad de sus obras y porque era un hombre de
extraordinaria devoción. Fue beatificado por Juan Pablo II en 1982 pasando a
ser el "Beato Fra Angélico".
Giorgio Vasari en su libro Vida de los mejores, pintores,
escultores y arquitectos se refiere a él como Fra Giovanni Angelico, poseedor
de un "raro y perfecto talento" y menciona que "nunca levantó el
pincel sin decir una oración ni pintó el crucifijo sin que las lágrimas
resbalaran por sus mejillas".
OBRAS:
LA CORONACION DE LA VIRGEN
Esta obra aparece por primera vez
en Francia en el siglo XII y se
encuentra en el Museo de Louvre en
París - Francia tiene un estilo renacentista italiano, sus medidas son de 213x211 cm, es una obra centrípeta, que
tiene gamas de color azul y rojo.
La escena, en el centro y rodeada
por una orla de luz muestra a Cristo coronando a su con la solemnidad y respeto que se merece,
hay cuatro ángeles ayudando a enmarcar y resaltar perfectamente la pintura,
tiene una fuerte iluminación que se crea con gran abundancia de elementos
ornamentales, mientras que Santo Tomás, San Benito, Santo Domingo, San
Francisco, San Pedro Mártir y San Marcos acompañan la escena en la parte
inferior, pero a pesar de su actitud de recogimiento y adoración, no parecen
contemplar la escena directamente. Probablemente fuera uno de los primeros
frescos que realizó en el convento.
LA ANUNCIACION
Esta obra fue pintada hacia 1426
y fue realizada en oro y temple de óleo
sobre una tabla y actualmente se encuentra en Museo del Prado de Madrid., es
una obra lineal del renacimiento y sus medidas son 194x 194 cm.La pintura
muestra la escena en un pórtico de mármol con arcos de medio punto que
descansan sobre finas columnas blancas. Tiene bóvedas de arista, de color azul
celeste sembrado de pequeñas estrellas de oro. En la fachada del pórtico hay un
medallón con la figura de Dios Padre. Al fondo del pórtico hay un cubículo con
un banco, La Virgen está situada a la derecha. Parece que ante la llegada del
ángel ha suspendido la lectura del libro que ahora mantiene sobre el regazo.
Tanto ella como la figura del ángel, son dos personajes rubios, de blanca piel
y de manos finas y alargadas. La Virgen lleva una túnica de color rosado y un
manto azul ultramar. El ángel está vestido con un traje de color rosa con
franjas de oro, ceñido a la cintura, que cae en grandes pliegues hasta los
pies.
Se encuentra en un jardín, hortus conclusus,
representación del Paraíso. En el ángulo izquierdo de la pintura se ven las
manos de Dios y del espíritu santo desde las cuales sale un rayo de luz dorada
que viene recto hacia la derecha, en el que viaja la paloma del Espíritu Santo.
El vergel que hay delante del pórtico está
cuajado de florecillas y tiene una espesa vegetación con algunos árboles entre
los cuales puede verse a dos personajes: Adán y Eva, en este caso vestidos con
pieles. Su expresión es de: sumisión y de arrepentimiento.
El cuadro se completa con una
predela en la que se narran escenas de la vida de la Virgen. La predela se
compone de cinco paneles donde se representan cronológicamente los episodios:
Nacimiento y Desposorios, Visitación, Adoración de los Magos, Presentación en
el Templo y Tránsito.Esta obra representa en conjunto la escena, el principio y
el final del pecado, los primeros padres y la salvación del hijo de María. Un
ángel vigila detrás de ellos que abandonan el Paraíso. Por lo que se trata de
una obra en el momento de transición
entre la pintura gótica y el renacimiento.
SANDRO BOTTICELLI:
Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (Florencia, 1 de
marzo de 14451 – Florencia, 17 de mayo de 1510), apodado Sandro Botticelli, fue
un pintor cuatrocentista italiano. Menos de cien años después, este movimiento,
bajo el mecenazgo de Lorenzo de Médici, fue considerado por Giorgio Vasari como
una "edad de oro", un pensamiento que convenientemente encabezaba su
Vita de Botticelli. Su reputación póstuma disminuyó, siendo recuperada a
finales del siglo XIX; desde entonces, su obra se ha considerado representativa
de la gracia lineal de la pintura del primer Renacimiento, y El nacimiento de
Venus y La primavera son, actualmente, dos de las obras maestras florentinas
más conocidas.
OBRAS:
LA FORTALEZA
Está realizado al temple sobre
tabla cimbrada. Mide 167 cm de alto y 87 cm de ancho. Data de 1470 y se
conserva en la Galería de los Uffizi en Florencia (Italia). Pertenece al renacimiento
Italiano
Esta obra es representada como
una mujer joven con coraza con diamantes, alusión a la solidez de la virtud. En
la cabeza luce una diadema adornada de perlas, símbolo de pureza. . Los pesados
ropajes destacan la coranza con la que se ponen de manifiesto la formación, en
sus manos sujeta una maza de hierro, cuya forma recuerda a la de una columna,
atributo que sí se ha relacionado tradicionalmente con esta virtud cardinal.
Está sentada en un trono muy elaborado, con los lados y los brazos adornados
por volutas formadas por hojas de acanto. Este trono se asienta sobre un
estrado poligonal, calado y sostenido por columnitas. Por encima de la
Fortaleza hay una bóveda con casetones de mármol.
EL REGRESO DE JUDITH
Está obra está realizadz con
temple sobre tabla. Data de 1470, es una obra lineal y pertenece al renacimiento Italiano, tiene un
tamaño de 31x24 cm, en la actualidad se encuentra en la Galería de los Uffizi
en Florencia.
Representa una bella heroína que
porta la espada de Helofernes y una rama de olivo como símbolo de paz y a su
criada con la cabeza del tirano. Ambas figuras fueron hechas en movimiento
utilizando perspectiva y la imagen de fondo que es importante en esta obra.
Las dos figuras femeninas con
gracia un poco etérea en una difusa luz matinal, el único movimiento proviene
de los vestidos y de los paños , conferido por la línea del contorno, esta
línea ayuda a la fusión de las figuras y el paisaje que es su rasgo
estilísticos más destacados.
ANDREA MANTEGNA:
Nació en Isla de Carturo, un burgo en las cercanías de
Padua, pero que en la época pertenecía al condado de Vicenza. A los 10 años
comienza a trabajar en el taller de pintura de Francesco Squarcione en Padua. A
los 17 años se independiza, cansado de que su talento artístico sea apropiado
por su mantenedor.
En aquellos momentos Padua hierve como un lugar
especialmente propicio para el arte de Mantegna. Él frecuenta los anticuarios
de la ciudad, presta especial atención a la pintura y el arte de la antigua
Roma y va perfilando su propio estilo. Sus primeros trabajos importantes los
realiza en la capilla de San Jacopo y San Cristoforo de los Ovetari (iglesia de
los Eremitani de Padua), junto con Ansuino da Forli, perdidos en su mayor parte
tras los bombardeos sobre la ciudad en la Segunda Guerra Mundial.
OBRAS:
JULIO CESAR EN SU
CARRO TRIUNFAL
Fue elaborada en 1490 pertenece
al renacimiento Italiano, está elaborado con
Témpera sobre madera y tiene unas medidas de 267x278 cm.
Las fuentes en las que se inspiró
son las descripciones de la antigua Roma y las historias de Tito Livio, la obra
es un conjunto de dinamismo y plagado de las fugas donde se hace un evidente
homenaje a la antigüedad. A esta obra se
le ha hecho varias restauraciones desde el siglo XVII por lo que su estado no
es el mejor.
LAMENTACION
DEL CRISTO MUERTO
Es una témpera sobre tela de 68
centímetros de alto por 81 de ancho, conservado en la Pinacoteca de Brera de
Milán, no se ha establecido con certeza su fecha de
elaboración se ha Propuesto entre 1457 y 1501.
La escena muestra a Cristo muerto, tendido
sobre una losa de mármol de forma casi perpendicular al espectador, en uno de
los escorzos más violentos de la historia de la pintura. En un fuerte contraste
de luces y sombras, la escena transmite un profundo sufrimiento y desolación.
La tragedia se potencia dramatizando la figura de Cristo por su violenta
perspectiva y la distorsión de sus detalles anatómicos, en especial el tórax.
Los estigmas de las manos y los pies están representados sin idealismo ni
retórica. La sábana que cubre parcialmente el cadáver, pintada en los mismos
tonos que el cuerpo, contribuye al efecto sobrecogedor del conjunto que
concluye en los rasgos de la cabeza, inclinada e inmóvil.
Cristo está rodeado por la Virgen
María, San Juan Evangelista y una tercera persona que es María Magdalena que
llora por su muerte.
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