VERROCHIO:
Andrea del Verrocchio, nacido Andrea di Michele di Francesco
de Cioni, conocido simplemente como Verrocchio (Florencia, h. 1435 - Venecia,
1488) fue un pintor, escultor y orfebre cuatrocentista italiano. Trabajó en la
corte de Lorenzo de' Medici en Florencia. Entre sus alumnos estuvieron Leonardo
da Vinci, Perugino, Ghirlandaio y Sandro Botticelli, pero también influyó en
Miguel Ángel. Trabajó en el estilo serenamente clásico del primer renacimiento
florentino.
OBRAS:
DAVID
(Bronce, 1473-1475, Museo
Nazionale del Bargello, Florencia) De tamaño algo menor del natural, se trata
de otro de los ejemplos de escultura dedicada a este rey de Israel realizado
por los grandes escultores florentinos, junto con el de Donatello y Miguel
Ángel. Se trata de un encargo realizado por la familia Medici que en 1476 lo
venderá a la Signoria (ayuntamiento) y será colocado en el Palacio Vecchio
junto al de Donatello.
RETRATO DE MUJER
(Mármol, 1475-80, Museo Nazionale
del Bargello, Florence). Verrochio se inspira en los retratos que muestran tres
cuartos de la figura y que son propios de la pintura de la época para
desarrollar uno de los más hermosos bustos escultóricos del Renacimiento. Esto
le permite estudiar las manos de la mujer y dar un toque humano al colocar
entre ellas un ramillete de flores que la mujer sitúa contra su pecho en un
gesto romántico. El conjunto despierta sentimientos al contemplarse y así se
hace cercano al espectador. La mujer ha sido identificada por algunos como Ginevra
dei Benci, que también fue retratada por Leonardo da Vinci, pero la mayor parte
de los especialistas dicen que se trata de Lucrezia Donati, aunque no hay
pruebas de ello.
GIOVANNI BELLINI:
Giovanni Bellini, también
conocido por su apodo Giambellino (Venecia, h. 1433 - Venecia, 26 de noviembre
de 15161 ) fue un pintor cuatrocentista italiano. Probablemente sea el miembro
más conocido de una familia de pintores venecianos que incluyó a su padre
Jacopo, su hermano Gentile y su cuñado Andrea Mantegna. Está considerado como
un artista que revolucionó la pintura veneciana, haciéndola progresar hacia un
estilo más sensual y colorista. Gracias al uso de pintura al óleo clara y de
secado lento, Giovanni creó tintes intensos y ricos y sombras detalladas. Su suntuoso
colorido y los paisajes fluidos y con atmósfera tuvieron un gran efecto en la
escuela de pintura veneciana, especialmente en sus alumnos Giorgione y Tiziano.
OBRAS:
CRISTO EN EL MONTE DE LOS OLIVOS
Cristo en el monte de los Olivos es un cuadro realizado al
temple sobre tabla por el pintor renacentista italiano Giovanni Bellini. Mide
81 cm de alto y 127 cm de ancho. Está datado en 1459. Se conserva en la
National Gallery de Londres.
El cuadro representa a Jesucristo arrodillado en oración
sobre una roca en el monte de los Olivos, cerca de sus discípulos (Simón Pedro,
y los hermanos Santiago y Juan), que duermen.
Esta obra deriva de otra de Andrea Mantegna sobre el mismo
tema, que se conserva en el Museo de Tours y que es de 1457. A la influencia de
este autor se debe, igualmente, la estructura geológica del paisaje.
Aquí el paisaje se humaniza y suaviza gracias a la luz de la
aurora, que le da un mayor calor e intensifica los profundos verdes.
SAN FRANSISCO EN EXTASIS
San Francisco en éxtasis es un cuadro realizado al óleo
sobre tabla por el pintor renacentista italiano Giovanni Bellini. Mide 124 cm.
de alto y 142 cm. de ancho. Está datado hacia 1480. Se conserva en la Colección
Frick de Nueva York.
La obra está firmada “IOANNES BELLINVS” sobre un cartellino
sobre un arbusto que queda abajo a la izquierda.
La tela representa a San Francisco de Asís mientras se
encuentra en éxtasis recibiendo los estigmas.
A la izquierda se encuentra un asno inmóvil que puede
interpretarse como símbolo de humildad y paciencia o también la estupidez y la
obstinación.
A la derecha, sobre un banco, se encuentra una calavera,
símbolo de la muerte.
Es una de las obras que el artista realizó en torno al año
1480, como la Resurrección de Cristo que se conserva en los Museos de Berlín y
el San Jerónimo del Palacio Pitti, Florencia. Estas obras se caracterizan por
enmarcar una amplia gama de sentimientos humanos en la variedad del campo y el
cielo italianos. Cuida el detalle sin caer en lo anecdótico.
DONATELLO:
Donatello (Donato di Niccolò di Betto Bardi) (Florencia,
Italia, 1386 – ibídem, 13 de diciembre de 1466) fue un famoso artista y
escultor italiano de principios del Renacimiento. Junto con Leon Battista
Alberti, Brunelleschi y Masaccio, fue uno de los padres del renacimiento.
Donatello se destacó en una fuerza innovadora en el campo de la escultura
monumental y en el tratamiento de los relieves, donde logró representar una
gran profundidad dentro de un mínimo plano, denominándose con el nombre de
stiacciato, es decir «relieve aplanado o aplastado
OBRAS:
DAVID EN MARMOL
David está representado en el momento de la victoria e
inmediatamente después de la derrota del gigante Goliat, cuya cabeza se
encuentra a sus pies, con la piedra todavía en medio de la frente.
Los brazos son desproporcionadamente largos, pero ya se han
incorporado elementos del repertorio clásico, como algún detalle anatómico
realista: las manos, el torso, su cabeza coronada de amaranto (símbolo
profano). La expresión del rostro es un poco inexpresiva, pero la pose y la
actitud parecen expresar el orgullo de su conciencia divina. El desplazamiento
del peso sobre la pierna derecha con el torso torcido hacia el lado opuesto,
indica la intención para crear un mayor dinamismo con el clásico contrapposto.
SAN MARCOS
San Marcos está retratado con una cabeza barbuda, de antiguo
filósofo, y con un vestido anudado a la cintura. El rostro está esculpido con
una expresión de seriedad digna y de integridad espiritual, que recuerda la de
San Juan Evangelista de unos pocos años atrás. La pierna izquierda de San
Marcos tiene una suave inclinación pero de una manera ponderada, esto no va en
detrimento de la postura erguida y solemne. El pequeño giro del cuerpo está
realizado para sobresalir ligeramente la estatua de la hornacina, evitando la
rigidez de una posición estrictamente frontal: la mirada del santo parece
perderse hacia el lejano horizonte indefinido. En la mano izquierda, la figura
tiene un libro abierto, el atributo típico de los evangelistas.
La crítica siempre ha alabado los valores formales de la
obra, que traspasa toda la seriedad y moralidad del evangelista, pero
comparando este trabajo con el San Jorge, siempre han preferido éste último.
Aunque el trabajo se considera la primera escultura del
renacimiento plenamente en la trayectoria del artista, con la restauración y el
descubrimiento del dorado, se ha observado que la decoración pictórica es más
bien de estilo gótico. No es unánime, la hipótesis de que la obra había tomado como
modelo al vecino San Felipe de Nanni di Banco, ya que no es cierto que este
trabajo ha sido tallado antes. Además, existen importantes diferencias formales
entre las dos estatuas: la de San Marcos es más expresivo, y firme en la
superficie, mientras que el San Felipe tiene una postura más estática.
PIETER BRUEGHEL EL VIEJO
Pieter Brueghel1 llamado el Viejo, /ˈpitəɾ ˈbɾøːxəl/
(Bruegel cerca de Breda o Brée, h. 1525 - Bruselas, 5 o 9 de septiembre de
1569) fue un pintor y grabador brabanzón. Fundador de la dinastía de pintores
Brueghel, es considerado uno de los grandes maestros del siglo XVI, y el más
importante pintor holandés de ese siglo. Con Jan Van Eyck, Jerónimo Bosco y
Pedro Pablo Rubens, está considerado como una de las cuatro grandes figuras de
la pintura flamenca.
OBRAS:
LOS PROVERBIOS FLAMENCOS
Los proverbios flamencos (en neerlandés, Nederlandse
Spreekwoorden) es una obra del pintor flamenco Pieter Brueghel el Viejo. Es un
óleo sobre tabla de roble, pintado en el año 1559. Mide 117 cm de alto y 163 cm
de ancho. Se exhibe actualmente en el Staatliche Museen zu Berlin - Gemäldegalerie
de Berlín, Alemania.
Otros nombres con los que es conocida esta obra es La capa
azul o El mundo del revés. Representa una tierra habitada con representaciones
literales de proverbios flamencos de la época. La pintura rebosa de referencias
y aún pueden identificarse la mayor parte de ellas; mientras muchos de los
proverbios han sido olvidados o nunca se tradujeron a otros idiomas, algunos
aún se usan. Los proverbios eran populares en tiempo de Brueghel: se publicaron
una serie de colecciones, incluida una famosa obra de Erasmo. Frans Hogenberg
produjo un grabado que ilustraba unos 40 proverbios alrededor de 1558 y el
propio Brueghel había pintado una colección de Doce proverbios en tablas
individuales en 1558, así como El pez grande se come al chico en 1556, pero se
cree que los Proverbios flamencos es la primera pintura a gran escala sobre el
tema. Rabelais representó una tierra de proverbios en su novela Pantagruel poco
después en 1564.
EL TRIUNFO DE LA MUERTE
Es una panorámica de la muerte:
vemos el cielo oscurecido por el humo de las ciudades ardiendo, al fondo un mar
plagado de naufragios; a la orilla hay una casa, alrededor de la cual se agrupa
un ejército de muertos. El paisaje, anodino y arrasado, nos habla de la
pequeñez, crueldad y falta de sentido común del hombre, que pretende cambiar un
destino impuesto. Se alzan mástiles coronados por ruedas, picotas en las que se
ajusticia a criminales; sus cadáveres se balancean. Hay una cruz, solitaria e
impotente en el centro de la pintura, y la Muerte avanza con batallones de
esqueletos; sus escudos son tapas de ataúdes y conducen a la gente a un ataúd
que es un túnel decorado con cruces; un esqueleto a caballo destruye personas
con su guadaña. Por todas partes son atacados los desamparados hombres;
aterrorizados huyen o intentan en vano luchar. No hay defensa posible, los
esqueletos matan de muy variadas maneras: cortando gargantas, colgándolos,
ahogándolos, e incluso cazándolos con perros esqueléticos.
MATTHIAS GRUNEWALD
Matthias Grünewald, originalmente
Mathis Gothardt (hacia 1470,
Wurzburgo,
actual Alemania
- † 31 de agosto
de 1528,
Halle) fue un pintor e ingeniero hidráulico alemán
renacentista.
Pintó principalmente obras religiosas, especialmente escenas de crucifixión
sombrías y llenas de dolor. El carácter visionario de su obra, con sus
expresivos color y línea, contrasta con la obra de su contemporáneo Alberto
Durero. Sus pinturas son conocidas por sus formas dramáticas,
colores vívidos y el tratamiento de la luz.
OBRAS:
ESCARNIO DE CRISTO
Jesús de
Nazaret se sienta, con los ojos vendados. Tiene los brazos y las
manos atados con una cuerda. Recibe indefenso los golpes de los siervos: un
verdugo, delante de él, tira de la cuerda; otro, detrás, alza el puño para
pegarle al mismo tiempo que le tira del pelo. Por la derecha se añade a la
escena un hombre, que lleva un bastón en su mano izquierda y con la derecha
hace ademán de abofetear a Cristo. En el hombro de este verdugo apoya su mano
otro hombre, más viejo, que parece estar hablándole. En el fondo de la imagen
hay otros tres hombres: a la izquierda se ve a un músico tocar la flauta al
tiempo que golpea el tambor. El más joven de los otros dos hombres parece
indiferente, casi alegre. El tercero, del que sólo se ve con claridad la cabeza
en el borde derecho del cuadro, aparece con el rostro desconsolado.
RETABLO DE ISENHEIM
El retablo de Isenheim es un retablo
políptico
cuyas distintas configuraciones podían ilustrar los distintos períodos
litúrgicos durante el culto de acuerdo a las fiestas correspondientes. Tiene
dos conjuntos de alas, mostrando tres configuraciones distintas, y que se
articulan en torno a un altar tallado compuesto de esculturas. El conjunto
estaría debajo de un montante gótico esculpido y dorado.
Las escenas que contiene son de
una intensidad dramática poco común, excepcional para su época. No está
excluida de esta obra la fantasía, lo que la acerca al Bosco,
ni cierto manierismo
que hace de este artista un genio aislado e inclasificable.
Es una obra apasionante. Hay
elementos en ella de una extraña violencia, casi desagradable. Expresa un misticismo
violento. Ilustra las tendencias artísticas de Grünewald: el expresionismo y el
realismo de la carne lastimada, uniendo en la misma obra la sobriedad de la
composición y del fondo negro con la complejidad y la sobrecarga de la puesta
en escena, sumergida en un paisaje colorido, una luz tan pronto solar como
pálida, un color denso o traslúcido (Carrassat).
LUCA DELLA ROBBIA
Según Giorgio
Vasari, Luca nació en el año 1388 en la casa de sus antepasados que
se encontraba debajo de la iglesia de San Bernabé en Florencia. Fue educado,
conforme a las costumbres de la época, hasta que aprendió no solo a leer, sino
también a escribir y contar, como se solía hacer en casi todas las casa
florentinas, por sus propios medios. Su padre le colocó, enseguida, para que
aprendiera el oficio, en casa del orfebre Leonardo, hijo de Giovanni,
considerado, por entonces en Florencia, como el mejor maestro en este arte.
OBRAS:
CANTORIA DE LA CATEDRAL DE FLORENCIA
(Mármol, 1431-1438, Museo
dell'Opera del Duomo, Florencia). Se trata del púlpito para el órgano encargado
en 1431 a Luca della Robbia que por entonces era un desconocido, y que se situó
originalmente sobre la puerta de la Sacristía Norte de la Catedral también
conocida como Puerta Nueva, justo enfrente de la realizada por Donatello
situada sobre la puerta de la Sacristía Sur, ambas fueron desmontadas en 1688
siendo sustituidas por un púlpito que celebraba la boda de Fernando de Medici
con Violante Beatriz de Baviera. Una vez desmantelada la reconstrucción de la
cantoría de della Robbia fue un problema.
MOLDURAS DEL CAMPANILE DE LA CATEDRAL DE
FLORENCIA
(Mármol, 1437, Museo dell'Opera del Duomo, Florencia). Se
trata de un encargo realizado para terminar el trabajo inconcluso de Andrea
Pisano, realizó cinco paneles exagonales que se situaron en la cara norte del
Campanile y que representaban las artes liberales (Gramática, Lógica, Música,
Astrología, Aritmética y Geometría). El artista trató de seguir los modelos
goticistas de Pisano, pero se dejó influenciar claramente por los artistas de
su época como Jacopo della Quercia, Ghiberti, Donatello y Michelozzo.
La Aritmética y Geometría muestran a Euclides y Pitágoras en
diálogo, sus figuras muestran la influencia de Jacopo della Quercia.
ANTONIO ALLEGRI DA CORREGGIO
Antonio Allegri da Correggio (Correggio,
cerca de Reggio Emilia, agosto de 1489 – ibídem,
5 de marzo
de 1534)
fue un pintor italiano del Renacimiento, dentro de la escuela de Parma que se desarrolló en
la corte de los Farnesio
durante el apogeo del Manierismo en Italia.
OBRAS:
LA VIRGEN CON EL NIÑO Y SAN JUAN
La Virgen y el Niño con el
pequeño san Juan (en italiano: Madonna col Bambino e Giovanni
Battista) es un cuadro del pintor italiano Antonio Allegri da Correggio. Fue
ejecutado al óleo sobre tabla,
estando hoy transpuesto a tela. Data hacia 1516, encontrándose
actualmente en el Museo del Prado, Madrid.
Se trata de un cuadro con un tema
clásico: la Virgen María con el Niño Jesús
y san Juanito.
Las tres figuras forman una composición piramidal, como en los cuadros que
sobre el mismo tema ejecutaron Leonardo da
Vinci o Rafael Sanzio.
No obstante, la influencia
predominante es la de Leonardo, como puede verse en el paisaje azulado, en la
sutil sonrisa de la Virgen, así como por el uso de la técnica del esfumado.
En el pasado, la obra fue
conocida como La Virgen de la sandalia, por el calzado de diseño peculiar que
luce el personaje.
NOLI ME TANGERE
es uno de los cuadros más
conocidos del pintor italiano Antonio Allegri da Correggio. Está
realizado en óleo sobre tabla,
y fue pintado hacia 1518,
encontrándose actualmente en el Museo del
Prado, Madrid.
Es una obra realizada por
Correggio en la fase intermedia de su carrera. Fue regalada a Felipe IV por el príncipe Ludovisi. Ya Giorgio
Vasari la menciona formando parte de la colección de la casa
Ercolani, en Bolonia.
Ingresó en el Museo del Prado en 1839.
Es un cuadro «noblemente
patético, con su sentido lírico y sensual, que anima la figura de la Magdalena
y las sinuosidades de los pliegues, y que trasciende en la sutil vibración
cromática del fondo del paisaje, bañado en una luz apenas matutina» (M.
Oliver). Cristo, con los pies cruzados en posición de inestabilidad, gesticula
con los brazos y las manos, en una postura dinámica y estática a la vez. La Magdalena,
por su parte, aparece dibujada con expresión de ardiente misticismo;
sus labios se abren de manera ambigua, fijando intensamente su mirada en
Cristo. Mientras, su cuerpo se estremece al oír las palabras «No me toques», de
boca del Resucitado. La postura arrodillada y el rostro en escorzo forman el
inicio de una diagonal que se prolonga en los brazos de Cristo, anticipando las
dos figuras las composiciones diagonales típicas del Barroco.
La cabellera suelta de la santa es un atributo
típico de sus representaciones, en alusión al episodio evangélico
en el que derrama lágrimas sobre los pies de Jesús y después los seca con su
pelo. Noli me tangere
GIORGIONE
Giorgio Barbarelli da
Castelfranco más conocido como Giorgione, (Castelfranco Véneto; h. 1477 - Venecia,
1510), pintor italiano,
representante destacado de la escuela
veneciana.
OBRAS:
EL JUICIO DE SALOMON
Se muestra a Salomón,
rey de los judíos,
en el trono, con los dignatarios de la corte y dos mujeres a sus pies. Las dos
mujeres habían reclamado al mismo hijo como propio y habían apelado al rey. La
decisión de Salomón de cortar al niño en dos y dar una mitad a cada una puso al
descubierto a la que fingía serlo.1
Detrás de los personajes se encuentran dos grandes robles que dividen el
cuadro en dos partes.
La pintura manifiesta algunos
rasgos propios del autor, como la ropa lujosa, reflejo del modo de vida burgués
y los contrastes de luces y sombras.
LA TEMPESTAD
Encargado por el noble Gabriel
Vendramin, La tempestad es una de las obras más enigmáticas de la Historia del
Arte.1
Se considera por unanimidad como autógrafa de Giorgione, sin embargo, es su
significado el que ha dado lugar a mayores discusiones. Existen numerosas
hipótesis sobre el significado de la obra, que van desde diferentes episodios
bíblicos, mitológicos o hasta una representación alegórica de la fortuna, la fortaleza o la caridad.2
En el inventario de la familia
Vendramin figuraba como Mercurio e Isis. También ha sido
identificado como un tema inspirado en el Polífilo
de Francesco Colonna e incluso como El hallazgo de
Moisés.
Podría ser una escena de La infancia de Paris, o del mito de Paris y Enone, entroncado con la novela
pastoril. Otras teorías afirman que se trata de un retrato del
propio pintor y su familia.
ALBERTO DURERO
Alberto Durero (en alemán
Albrecht Dürer;1 Núremberg,
21 de mayo
de 1471-Núremberg,
6 de abril
de 1528)2
es el artista más famoso del Renacimiento alemán, conocido en todo el mundo
por sus pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte. Ejerció una
decisiva influencia en los artistas del siglo XVI,
tanto alemanes como de los Países Bajos,
y llegó a ser admirado por maestros italianos como Rafael Sanzio.
Sus grabados alcanzaron gran difusión e inspiraron a múltiples artistas
posteriores, incluyendo los nazarenos del siglo XIX y los expresionistas alemanes de principios del
siglo XX.
OBRAS:
AUTORRETRATO DE DURERO
Esta obra fue realizada sobre papel (pergamino) después
pegado al lienzo, con las siguientes dimensiones: 57 × 45 cm.
Durero aparece imberbe, adolescente, con una ramita de cardo
en las manos, símbolo del sufrimiento de Cristo; la flor de cardo, llamada
Mannestruc en alemán, representa también desde la antigüedad, la fidelidad
conyugal, y se ofrecía a las jóvenes esposas. Durero, sin embargo, tenía
entonces 22 años y aún estaba soltero, pues su boda tuvo lugar al año
siguiente. Podría ser un cuadro para regalar a su novia, Agnes Frey.
Adopta una postura de tres cuartos. Mira fijamente al
espectador. El cabello rubio y largo no impide que se le vea la frente, la
mandíbula y el lóbulo de la oreja. Lleva un tocado de color rojo, como los
ribetes de la ropa. A juzgar por su peinado y apariencia, parece que el momento
que transcurría era de una pobreza relativa.[cita requerida]
En la parte superior, sobre su cabeza, aparece la fecha y
una inscripción que dice: «My sach die gat / Als es oben schtat». Se ha
traducido como «Mi destino progresará según el orden Supremo»; también puede
entenderse como «Todo me va como está ordenado desde allá arriba» o «Las cosas
me van como allá arriba está ordenado».
Es una de sus primeras obras, en la que combina la expresión
retenida del gótico alemán, con la precisión de un Van Eyck. Pero a este estilo
nórdico le insufla un espíritu italiano al ponerse como ejemplo de hombre
independiente, dueño de sus pensamientos, ejemplo de espíritu humanista
ADORACION DE LOS MAGOS
Esta Adoración de los Magos o de los Reyes (en alemán,
Anbetung der Könige) es un cuadro del pintor alemán Alberto Durero (Albrecht
Dürer). Es un óleo sobre tabla, pintado en 1504. Mide 100 cm de alto y 114 cm
de ancho. Está firmado y fechado. Se exhibe actualmente en la Galería de los
Uffizi de Florencia, Italia, donde se expone con el título de Adorazione dei
Magi.
Se trata de una obra de madurez, encargo de Federico el
Sabio. En principio, era el panel central de un retablo, conocido como el
«retablo Jabach» y cuyas alas laterales se encuentran en el Instituto Städel de
Fráncfort, el Museo Wallraf-Richartz de Colonia y la Alte Pinakothek de Múnich.
Fue realizado después del viaje a Venecia del autor, por lo que se nota
influencia de la pintura renacentista italiana, en particular en el vivo
cromatismo y la luz muy veneciana que ilumina el cuadro. En la figura de la
Virgen se observan influencias de Giovanni Bellini. La arquitectura de los
fondos revela la influencia de Andrea Mantegna.
LUCAS CRANACH EL VIEJO
Lucas Cranach el Viejo (en alemán,
Lucas Cranach der Ältere) (Kronach, 1472 – Weimar, 16 de octubre de 1553) fue un artista alemán, pintor y diseñador de grabados
en xilografía.
El apellido real de este pintor hubo de ser Sünder (escrito también Sunder,
Sonder y Süündä). Es padre del también pintor Lucas Cranach el Joven (1515-1586).
HANS BALDUNG
Hans Baldung, apodado Grien o
Grün (Schwäbisch Gmünd, Alemania,
1484 o 1485 - Estrasburgo,
actual Francia,
septiembre
de 1545)
fue un pintor alemán
del renacimiento,
que también trabajó como ilustrador, grabador
y diseñador de vidrieras.
Discípulo de Durero,
conformó un estilo muy personal, especialmente en sus inquietantes alegorías.
HANS HOLBEIN
el Joven (der Jüngere) (Augsburgo,
1497?1
- Londres,
entre el 7 de octubre y el 29 de
noviembre de 1543)
fue un artista
e impresor
alemán
que se enmarca en el estilo llamado Renacimiento nórdico. Es conocido sobre
todo como uno de los maestros del retrato del siglo XVI.2
También produjo arte religioso, sátira y propaganda reformista, e hizo una significativa
contribución a la historia del diseño de libro. Diseñó xilografías,
vidrieras
y piezas de joyería.
Se le llama "el Joven" para diferenciarlo de su padre, Hans Holbein el Viejo, un dotado pintor de
la escuela gótica tardía.
